《我和我的祖国》vs Moon River

国庆前一两个月,听得最多的就是《我和我的祖国》,加之参加一个音乐项目也与这个歌曲有关系,因此,几个月满 脑子都是这个歌的旋律,从“快闪”到公交车上,无限循环这个旋律,有点烦。估计个个作曲的人都烦,还嫉妒,据说版权费不少(哈哈)。 当然,也会想想这个歌为什么是1984年出炉,到现在还这么火,除了碰到这个需要的年代也有关系以外,没有新的作品能代替他这个节点也是一个原因。 这个歌曲到底有什么魅力呢?首先,歌词是中性的,另外旋律流畅,实际上没有听到一个人能够完满唱完歌词,因为这一首歌的前生是作曲家的另一个作品,小提琴独奏《海燕之歌》,也就是说,歌词是填词的,不是先有词,后作曲。我在音乐学院读本科的时候就见过,还是出版物,由于简单,没有流行出来。 《月亮河》(Moon River,也译作《月河》)是一首由奥黛丽·赫本演唱的歌曲,第一次亮相于1961年电影《蒂凡尼的早餐》。该曲由强尼·莫瑟(Johnny Mercer) 负责作词、亨利·曼西尼(Henry Mancini)负责作曲,一举拿下当年奥斯卡最佳歌曲奖与最佳配乐奖 。现在大多数爱好音乐的人都会哼这个旋律。 这两首歌曲都是利于传唱,除了情绪与节拍一样以外,主题的特点也是一样的:1. 大跳音程然后级进下行,从属音开始大跳级进下行回到属音;2. 接着的乐句同样也是变化了的大跳然后级进下行。还有一些共同的特征不一一说明。总之,“好听的旋律是一样的,不好听的旋律是各种各样的!”哈哈😄

回忆导师王义平先生

今年(2019)是武汉音乐学院作曲教授王义平先生诞辰100周年,武汉音乐学院汪申申教授拟撰写纪念文章,联系了王义平先生的主科学生提供一些材料,下面是我所提供的点滴。 回忆导师王义平 冯广映 关于他的创作风格         由于众所周知的原因,像王义平先生这个年纪(2019年诞辰一百岁)的作曲家都或多或少受到打击,因此,留存的作品很少(主要是文革期间,十年的受压,有一些作品销毁了),只有公开出版的作品,如《貔貅舞曲》(1954)、《长江三峡素描》(1979)以及《儿童玩具组曲》等作品才能面世。尽管人们对王义平先生的作品了解不多,也不了解其创作风格,但是仅就这几首作品也能看出一些王义平先生追求的是什么。         管弦乐《貔貅舞曲》创作于1954年,这一首乐曲最有影响,国内外著名交响乐团演出过,也得到许多荣誉,作为他的学生,对这个作品有所了解,本科进校(1978)就聆听了现场,后来又得到总谱,再后来,干脆改编管弦乐为钢琴弦乐五重奏,以便深入学习了解。在此之前,没有仔细分析他到底是怎么写的,但有人写过关于该作品的文章,主要从音乐学角度阐述,当然,一个小品管弦乐(6分多钟),要说音乐结构很容易分析,但是,所谓“音乐风格”不是那么容易准确判断的。从王义平先生的生平可以了解到,他受法国音乐影响最大,因为他是郑志声先生的学生“中央乐团的前团长李凌曾经讲过:郑志声不到四十岁就去世了,仅留下一首“朝拜”,和一个学生王义平。(王受之)” 。从这一些史料可以看出,王义平先生跟着郑志声学习、了解了更多的“法国风格”。从管弦乐《貔貅舞曲》总谱可以看出,具有拉威尔的音乐风格,有人分析到该作品与中国某些民歌有联系,这是很自然的,关键是用什么风格来创作成乐队作品,如果从调式特点、和弦特点来观察,他不是那种在中国旋律下面配以“I-IV-V-I”(古典音乐和声进行),也不是新古典主义的多调性或者是多调式风格,但是从听觉、观察乐谱,都让人很吃惊(这一些他从来没有在课堂上要求学生这样作曲,他认为个性更重要),简单说,很清晰的旋律不是大小调,也不是绝对的五声音阶,但是很多时候结束在多利亚调式等自然调式;再看结束的两个和弦(实际上是一个和弦): Em⁷/D、G⁶ (也就是E小七和弦,低音是D音;G大三和弦加6音)。这种和弦作为在一个管弦乐的全曲终止使用,可见全曲的和声都与此设计有关。王义平先生很明显是用简易的方法来展示印象派语言。但是虽“简”则并不“易”,这是我们要认真学习的。当然还有配器的细致设计,也是不可小觑的。 2. 关于上课问题         武汉音乐学院1978年招收了7个作曲专业的学生,当时的年龄都是24岁左右,都有音乐工作的经验,也就是说,基础都还不错,有乐器基础、有创作经历,也有接触古典音乐的机会,但是与附中直接上大学的比有一些的不同,年龄偏大。因此,作曲方向的教学采用老师轮流带的方式,有的带一年,有的带一个学期,基本没有一个老师带完的,我到了大三开始跟王义平先生上课,总的来说,上课比较随意,作品一般也不动笔改,看了一下就开始讲具体的类型应该怎么写,记得当时是写了一首小提琴与钢琴的作品,就是用传统风格创作的。主要的配器课是王义平先生开,也是个别改题,不上大课。因为乐器法对这一班的学生没有什么问题。配器课非常细致,我们的作业每次就改编一个古典到印象派还有其它二十世纪作曲家的作品,钢琴谱抄在总谱下方,上面就是配器内容,也没有专门讲室内乐,室内乐在作曲课里面已经讲过了。         毕业以后在外面工作6年后返回学校读研究生,安排给王义平先生,先生当时已经快70了,身体不好,但是一直没有间断上课。毕业的时候开了一场室内乐音乐会,有一些作品还行,如钢琴组曲《七巧板》得到一些钢琴演奏者的喜欢,至今还有人演奏,但这首作品是用了一些十二音的技术,当时,郑英烈老师开了一门《序列音乐》给研究生,王义平老师非常鼓励写这样的作品。     王义平先生家里书不多,但是有一些现代音乐的磁带,有时候会去他家听听最现代的东西,但是没有乐谱。读研的时候他送给我一本原版的皮斯顿的《配器法》,他有一个山水牌的音响系统,他比较了解音频技术,第一次在他那里听到“EQ”(Equalizer 音频均衡)的音响词汇,当时讲到更深的音频技术是不懂的,后来有了电脑,有了音乐制作系统后,自己就更迷上了录音技术与编曲,不能说这是不务正业,到了二十一世纪了,音乐创作的方式已经改变,创作观念也改变了。比如说,现在大多数作曲家创作都可以用电脑。可惜王义平老师没有赶上这个时代。王义平先生于1999年的6月20日去世!2019年,在先生百年诞辰之际,我们怀念敬爱的王义平先生。 王义平先生永垂不朽! 最近本人一个新作品得到演奏,仅以此作品来纪念敬爱的导师! 钢琴协奏曲《高山流水觅知音》 第一乐章 管弦乐协奏: 深圳交响乐团 钢琴:何立岩 该录音是 iPhone SE 现场录的,没有特殊设备,iPhone 耳机作为话筒,本来是单声道,但是混音增加了St-Delay 处理,比“扩展立体声”插件好。仅仅作为参考音响而已。

肖斯塔科维奇《第二圆舞曲》

Dmitri Shostakovich - Waltz No. 2 肖斯塔科维奇的第二圆舞曲,是一首通俗易懂的作品,在油-管上点击量达三千多万人次。简单说该作品就是与他的其它作品不一样,比较传统,基本上是共性写法的风格,这个作品诞生在前苏联最危险的时刻,面临经济大萧条、战争一拍即发,因此,有一点忧郁情绪,特别是再现段的长号独奏演奏主题。 为了让大家进一步研究该作品,特转载陌生人的博客,为了尊重作者,转载文章一字未改。 文章转自下面地址(感谢原作者): http://zhiyanle.blog.hexun.com/70033712_d.html   俄国十月革命的周年日。想起了肖斯塔科维奇《第二圆舞曲》。如今,在欧美演奏那作品,经常是全场共鸣,歌声直上云霄,不少人情不自禁地翩翩起舞,全场顿时成了“俄罗斯之声”欢腾的海洋。那让人强烈感到的是:苏联的历史随着苏联的解体而结束了,但俄国的梦想还在继续浸染着全世界。那作品的魅力是什么呢?尽管音乐是“世界语言”、因而不需要某国文化知识就能分享该国音乐作品,但是,多少了解一些作品创作的背景故事,对感受分享还是有所帮助的。 肖斯塔科维奇的第二圆舞曲创作完成于1938年。美国公共电视网PBS-的介绍和纽约时报2004年12月23日专题报道说:1938年是第二次世界大战即将爆发的前夕,欧洲和俄国的情势都非常敏感和非常复杂。当时,在欧洲,德国已经完成了发动世界战争的准备,并把苏联作为既是称霸协作的伙伴、又是最终必须征服的对象。而其它西方国家,正在经历空前的金融危机和经济大萧条,对德国的战争准备采取了所谓“绥靖主义”的政策;换句话说,他们重复第一次世界大战前的政策,试图把德国发动战争的祸水引向东方的俄国,遏制俄国称王称霸的蓝图成为现实、同时用规模战争去耗尽德国的称王称霸的企图。 1930年代,在俄国,斯大林完成了两个重大事情:一个,是把实现共产主义修改为实现社会主义、继承彼得大帝的现代化工业化建设,从而使俄国在革命动乱后能迅速恢复在欧洲的霸权地位;另一个,是通过肃反等手段,清除了几乎所有的可能对手或反对者、树立了绝对的个人权威,斯大林的话就是国家意志和国家法律、是审判一切的最高标准。就是说,当时,苏联也完成了迎接大规模战争的准备。 肖斯塔科维奇的音乐生涯前半部,就是在那种情势下发展起来的。介绍和报道说,其中有一段肖斯塔科维奇和斯大林之间的微妙关系的故事,那既是肖斯塔科维奇音乐生涯前半部分的绝妙诠注、又是肖斯塔科维奇音乐能在斯大林时代幸存的一个未解之谜。 开始进入音乐世界的时候,肖斯塔科维奇并不走运,许多音乐大家看不起他。后来,当时世界著名的俄国音乐家格拉祖诺夫看到了肖斯塔科维奇的巨大潜力,竭力推荐他到列宁格勒音乐学院学习。毕业后,肖斯塔科维奇开始发挥他的音乐天才,并很快得到了整个欧美音乐界的格外关注和高度赞赏,譬如,他的歌剧《麦克白夫人》一出笼就传遍欧美舞台。奇怪的是,一方面如此关注赞赏,一方面又批评说肖斯塔科维奇是“滥用天才”、作品充满了性感和血腥的味道。 如此全球运作,引起了斯大林的关注。1936年,斯大林在莫斯科观赏了肖斯塔科维奇的歌剧。第二天,肖斯塔科维奇在另一个城市的报摊看到了苏联当局喉舌《真理报》发表的社论,把他的作品称为“根本不是音乐,而是腐朽堕落和乱七八糟的噪音”。那时至今,俄国和欧美的史学和音乐界的学者都认为,那篇评论来自斯大林。不言而喻,在当时斯大林是国家绝对权威的环境中,肖斯塔科维奇感到那评论简直就是要宣判他的音乐生涯的死刑。 可是,奇迹:肖斯塔科维奇不但没有受到肃反一般的解职或流放,相反,他开始成为一个让人难以理解的全球性的大音乐家:那评论以后,肖斯塔科维奇和他的作品成为苏联社会主义现代音乐象征之一而出现在世界文化艺术的舞台,同时,他又被称为“反斯大林体制”的艺术家而出现在西方的政治评论舞台上。 为什么会出现那种“奇迹”呢?至今见解纷纭。有的见解说,不管怎样,肖斯塔科维奇的作品主要是歌颂苏联的战争胜利的,譬如,十月革命和收复乌克兰的炮火等等,都在他的作品中得到了尽情表达和竭力歌颂。因此,在苏联做“内功”和准备战争而不能用其它手段宣传苏联再次称强成霸的时候,就特别需要肖斯塔科维奇的音乐而把苏联胜利传遍全世界。如此一来,当然,斯大林个人再不喜欢肖斯塔科维奇的作品,苏联当局也要保住肖斯塔科维奇、不能采取肃反或流放的措施。当然,有些见解则说,毕竟,俄国有彼得大帝和叶卡捷林娜的改革开放的基础,斯大林意识到包括音乐在内的俄罗斯民族文化艺术的力量远远超过他的绝对权威的政治统治力量,正如他自己曾有言所说:“领袖来复去,人民永存。”。因此,不管西方社会怎么评价肖斯塔科维奇是“反斯大林体制”的,斯大林本人还是把肖斯塔科维奇当作俄罗斯民族文化艺术的发展人物看待、而不是作为政治对手或政治反对派而看待的。 正是在那种敏感复杂的情景下,肖斯塔科维奇写成了他的《第二圆舞曲》。一年之后,第二次世界大战爆发了。然而,在德国酝酿的战争并没象西方“绥靖主义”政策所期望的那样、把战争祸水泼向东方的苏联,而是战争席卷了全球。更令人出乎意料的是,那场世界大战的结束彻底改变了世界版图:过去数百年里的几乎所有霸权都在战争中被严重消浅甚至从世界霸权列单中消失了,而在欧洲传统观念里的“野蛮落后”的美国和“边缘国家”的俄国,却成了世界霸权且主导了世界历史50来年。经过半个世纪的冷战,苏联解体了,俄国却还健在:斯大林所代表的俄罗斯梦想成了历史,可俄罗斯民族文化艺术所代表的俄罗斯梦想不但没成为历史,而且,还在以格林卡、柴可夫斯基、格拉祖诺夫、直到肖斯塔科维奇的俄罗斯音乐历史长河之奔流而继续浸染着全世界。如此,代表现代俄罗斯之声而迎接了第二次世界大战的肖斯塔科维奇的《第二圆舞曲》能得到世界共鸣、也该是情理中的事了。 或许是1930年代的欧洲特别盛行模仿美国的爵士乐吧,肖斯塔科维奇把《第二圆舞曲》写给爵士乐队。它用“3 - - | 1 – 7 | 6 - -| 6”的旋律引出主题。那顿时让人想起柴可夫斯基《第一钢琴协奏曲》的引子:“ 3 1 7 | 6 ”。两者都是典型的俄罗斯曲调音符,让人感到一望无际的旷野和一往情深的历史。表达同一境界的不同艺术手段是:柴可夫斯基作品的引子是用法国号演奏的,令人联想到的是欧洲古典或浪漫主义音乐常用的歌颂故乡河山和自然田野的表达手段;而肖斯塔科维奇的手段则是用爵士乐常用的萨克风演奏来引出主题,那令人感到的不但是歌颂俄罗斯广阔田野的传统手段、而且还有现代生活的时代气息,--- 或许,肖斯塔科维奇试图借此表明他是个现代社会的音乐艺术家吧? 视频: 乐谱(钢琴)链接: https://musescore.com/mozartandi3/shostakovich

歌曲:遗留的呼唤

歌曲:遗留的呼唤 90年代,词作家老佘给了这首歌词,似乎讲的是一个父女分散的故事,也许也蕴含着某种时代烙印。总之,感觉到了某种时代的脉搏,就写了这一首对唱的作品,现在听起来总有一种遗憾、忧愁、分散与生死相依的情绪。 十多年前,不知道为什么用MD录了这一首歌,由目前在英国的青年男高音歌唱家王博和在美国的女歌唱家演唱,当时他们都在BNU读研。当时录音很随意,不能代表他们的水平。他们现在是不得了的歌唱家,当然,再好的歌唱家在初学阶段不会那么完满,何况是随意录的呢。 在这个博客平台展示一下,还是想寻找创作的感觉,歌曲很难写好,艺术歌曲更难。 乐谱: https://oldfeng.files.wordpress.com/2019/07/e98197e79599e79a84e591bce594a4solo-full-score.pdf

来历不明的《生日歌》

来历不明的《生日歌》(Happy Birthday to You ) 这首歌曲要说来历不明是不对的,只是太有名了,谁都会唱,wiki有明确的创作信息,也有明确的版权信息。 转载: 英语散文:生日快乐歌的起源 "Happy Birthday to You" Where did that song come from?   The story of how the song "Happy Birthday to You" came to be, began as a sweet one, that later soured. Two sisters, Mildred Hill, a teacher at the Louisville, Kentucky Experimental Kindergarten, and Dr. Patty Hill, … Continue reading 来历不明的《生日歌》

如歌的行板与生动的⾏板

#旧闻# Andante cantabile & Andante con moto (如歌的行板与生动的⾏板) 古典作曲家的慢板乐章都很有特点,特别是弦乐四重奏,很多都是内心的表⽩,听起很有味道。如果演奏好、音响好,有良好的听觉视觉环境更是一种享受。 舒伯特第十四弦乐四重奏(《死与少女》 Franz Schubert - String Quartet No.14 in D minor, D.810,视频演奏:“Alban Berg” Quartett ) 他一⽣共写了15首弦乐四重奏,第14首演奏以后没多久舒伯特就去 世了。表达的内容来自于德国诗人的诗句,关于舒伯特的生平有很多, 生活不够幸福,性格忧郁,多数作品都是自我性格的显示,这个四重奏带有总结短短三⼗一年人生态度。 在该作品第二乐章开始的乐段中能听到《圣⺟颂》的乐句,音乐的内涵表达非常明确。 ⽼柴的著名的“如歌的行板”也是脍炙人口的作品, 学习音乐的人最熟悉的弦乐四重奏的慢板乐章莫过于柴可夫斯基的第一弦乐四重奏第二乐章“如歌的⾏行行板” (Tchaikovsky, Quartet No.1 - 视频: “Borodin ”Quartet 演奏 “Alban Berg” Quartett 与 “Borodin ”Quartet 是发烧友⾮常青睐的著名 的贝尔格四重奏乐团与鲍罗丁四重奏乐团。 最早接触该作品的时候,看到过“如歌的行板”来自于一首俄罗斯民 歌,与舒伯特不一样的是,舒伯特的作品是与上帝的对话,而老柴的作品是与现实的对话,有一些区别。毕竟不不是同时代人,舒伯特是⻉多芬同时代的人。虽然没有贝多芬有名,他也见过贝多芬。 路德维希·凡·贝多芬 (Ludwig van Beethoven, 1770年年12⽉月16⽇日-1827年年3⽉月 26⽇日) 弗朗茨·舒伯特(Franz Schubert,1797年年1⽉月31⽇日⽣生于维也纳,1828年年11⽉月19 … Continue reading 如歌的行板与生动的⾏板

音乐的悲剧性写作

—— 关于乐曲《江河水》的悲剧特征 乐曲《江河水》原为双管(管子)独奏曲,取材于东北地区“辽南鼓乐”中的笙管曲牌《江河水》,大型音乐舞蹈史诗《东方红》出现该乐曲,给人印象较深。   六十年代初,黄海怀将其移植成二胡独奏曲,使这首脍炙人口的乐曲流传得非常广泛。其悲剧旋律与演奏打动人心。作品流转甚广。 黄海怀(1935-1967),江西萍乡人。当代著名二胡演奏家、作曲家。1949年--1952年在萍乡三中读初中,其代表作品为二胡曲《赛马》,为新中国成立以来最杰出的二胡作品之一。他曾为武汉音乐学院(前湖北艺术学院、中南音专)教师,文-革 初期含冤而死。 中外各种悲剧性音乐,都有一定的共性,即旋律向下的级进特征经常使用,但是悲剧性旋律除此之外,还有乐器演奏法的特性,如中国乐器管子、二胡、古琴各有独特的表现力,各有意境,但是乐曲《江河水》却具有更宽阔的文学性、史诗性悲剧意义。 本人90年代受邀给某演奏团体将二胡独奏曲改编为中提琴、小提琴、钢琴的三重奏,以中提琴的特有音色占主要表现地位: 小样 乐谱

青春无悔

1982年毕业以后,文艺单位,很容易有创作的机会,写过一些电视剧,有一部三集的电视剧《青春无悔》,是讲述江西共青城的故事,导演也是同时代的人,那个时候,原创作品少,艺术要求不算高,自由度比较好,总之,该片有一点悲剧的意思。(点击蓝色字体播放下面的谱例音响,算是一个慢板 (Adagio)作品) 该电视剧没有歌曲,当时这个主题的主奏是手风琴,剧组的人感觉还行。 https://oldfeng.files.wordpress.com/2019/06/qcwh.jpeg 这个旋律与我一贯创作一样,不在一个调上,由于刚毕业,和声并没有把握(实际上一直都很难找到感觉),这个旋律我一直在寻找最恰当的和声基础,上面的谱例是最近的编配,基本与旋律一致,实际上有转调:G大调、C大调、F大调、g小调,结束时回到G大调。结构很简单(旋律的结构不是理论能解决的,需要长期的听各种音乐,创作时有了主题、动机就很容易根据情形产生段落),做的demo是弦乐队,根据草稿在合成器上输入到Logic Pro,现在的弦乐音色很多,但每一个都是不同的方法(可能牵涉到版权,不能跟别人一样)。开始、结束用的是独奏小提琴,其它都是弦乐队音色。如果编曲,会有其它的技术问题,这里不是重点,要讲的是一个好的旋律如何配好和声是整个编曲的基础。多少年来,“赞歌”写得很好的作曲家依赖着编曲的人,作品的生存空间有限。如果想终身创作音乐,最好还是全面学习,要善于不同风格的旋律创作,善于捕捉不同风格作品的和声风格,最近由于国家的鼓励,出现了很多歌剧作品,由于以上的原因,听众的基本听觉存在问题,也就是一场歌剧下来,好听的不多。所谓“好听”不限于旋律,和声、配器、演奏演唱都在里面。当然,作品还有一个普及与传播的问题。但是最重要的还是基本的音乐听觉,不论古典音乐还是新音乐,都有好听的与不好听的。也就是说音乐的价值在哪里。